Boletín ISC No. 102 / 8 de abril / 2014: Austeridad, transparencia y buen gobierno

Nacozari de García, Sonora. – La Casa Museo Silvestre Rodríguez, en el municipio de Nacozari de García, Sonora, reabrió sus puertas hoy después de una extensiva labor de remodelación. 

El Instituto Sonorense de Cultura y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes realizaron una inversión bipartita de 751 mil pesos para rehabilitar piezas, colecciones, mobiliario y equipo de este museo. 

Se trabajó en techos, pisos, baños, sistemas de electricidad, agua y drenaje, cercos y jardines de esta casa en la que vivió el músico y compositor Silvestre Rodríguez, sonorense por adopción y creador de piezas como “El Costeño” y “La Pilareña”. 

“Un museo es un orgullo, la constancia de que tenemos memoria; la comprensión de que todo tiene un origen y que el conocimiento de ese origen nos prepara para el presente y para el futuro”, expresó Poly Coronel Gándara. 

La directora general del Instituto Sonorense de Cultura (ISC) adelantó la próxima entrega de la biblioteca Cuauhtémoc L. Terán en Nacozari, y dos más en los municipios de Esqueda y Moctezuma. 

En la reapertura del Museo Silvestre Rodríguez también participaron el presidente municipal de Nacozari, Marco Antonio Montes Navarro; la presidenta del DIF, Celina Aldana de Montes; el cronista de Nacozari, Constantino Romero Delgado; el homenajeado con la Medalla Silvestre Rodríguez este año, Jesús “Jess” Dávila; funcionarios del ISC y gobierno municipal, representantes del Grupo México, alumnos de escuelas locales y otros visitantes. 

En el museo se pueden apreciar colecciones icono-documentales relacionadas con la música sonorense y compositores como Manuel S. Acuña y el propio Silvestre Rodríguez, además de artefactos únicos de la historia de Nacozari como una pieza de rueda de la Máquina 501, en la que Jesús García perdió la vida. 

El Instituto Sonorense de Cultura (ISC) le invita a conocer este museo, que representa un ancla para el desarrollo educativo y cultural de la región.

Horario de visitas: lunes a viernes de 09:00 a 18:00 horas.

MUESTRA INTERNACIONAL UN DESIERTO PARA LA DANZA 223 al 12 de abril de 2014

FUNCIONES

JUEVES 3

Piedras de agua Compañía Pájaro de Nube / danza y música experimental Guadalajara, JaliscoDirección: Beatriz Cruz y Marcos García Teatro de la Ciudad, 20:00 horas

El hipergesto – coreografía intermedial para un solo espectadorDirección: Esthel VogrigDistrito FederalJueves 3, sábado 5, lunes 7, miércoles 9 y viernes 11 Galería Eusebio Kino, Casa de la Cultura, 18:45 horas

VIERNES 4

=6Coproducción CEPRODAC – Instituto Sonorense de Cultura / Programa especial para la Muestra Un Desiertopara la Danza 22Distrito Federal / Hermosillo, SonoraDirección: CEPRODAC Coreografía: Benito GonzálezTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

SÁBADO 5

Best of youLa IntrusaEspañaDirección: Virginia García y Damián MuñozTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

DOMINGO 6

NosotrosMoving BordersDistrito FederalDirección: Jaciel NeriTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

LUNES 7

Tienes 2 segundos para pensarlo. 2 segundosRolando Beattie Ensamble Danza ContemporáneaOaxaca Dirección: Rolando BeattieTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

MARTES 8

Queer ElegiesK&C Kekäläinen & CompanyFinlandiaDirección: Sanna KekäläinenTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

MIÉRCOLES 9

Objeto gritanteMauricio de Oliveira & SiamesesBrasilDirección: Mauricio de OliveiraTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

JUEVES 10

Poeta de lavabo Triciclo Rojo Danza ClownDistrito FederalDirección: Emiliano CárdenasTeatro de la Ciudad, 18:00 horas / Función infantil

VIERNES 11

Naturaleza monstruosaImprovável ProduçoesBrasilDirección: Marcela Levi y Lucía RussoTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

SÁBADO 12

Zappingla lágrimaHermosilloDirección: Adriana CastañosPlaza Central de la Casa de la Cultura, 19:00 horas

PlieguesAntares Danza ContemporáneaHermosilloDirección: Miguel MancillasTeatro de la Ciudad, 20:00 horas

PARA MAYORES INFORMES VISITA

WWW.UNDESIERTOPARALADANZA.GOB.MX

Programa Cultural Beneficiarios del FECAS 2012-2013 en los municipios de Sonora 

Artistas y creadores presentarán resultados y productos de proyectos realizados con apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Sonora

Coreografías Como si ya lo hubiera visto  y Cesantes, con Carolina Ferrá Peralta (Talleres Artísticos) y Nataly Peña Bernal (Desarrollo Artístico Individual / Danza)

En el marco del Festival Cultural “Enrique Quijada Parra” / Ures

Mtro. Luis Gerardo Trejo Cervantes, director

Concierto especial

Sábado 12 de abril

10:00 horas / Asilo de ancianos / Hermosillo

Boletín ISC No. 100 / 02 de abril / 2014: Austeridad, transparencia y buen gobierno 

La literatura “hipertextual” simula la construcción del conocimiento humano que actúa por libre asociación, y decide en cada momento y situación hacia dónde dirigirse según sus intereses personales. 

La dominicana-mexicana Esthel Vogrig, lleva esta idea al movimiento en El hipergesto, un performance para un espectador; la opción de decidir el sentido de una obra a través de la mutua observación entre el espectador y la artista conformado por una serie de gestos a seleccionar.

En esta interacción se propone un tipo de comunicación basada en la imagen y el cuerpo, donde el espectador “hipertextualiza” a la intérprete. La interactividad de la pieza no solo se genera a través de la interfase gráfica, sino también en la mutua observación entre espectador e intérprete. 

En la obra presentada en una galería, tras la intérprete se proyecta una serie de gestos de todo tipo recolectados en internet, hay varias imágenes de un mismo gesto y el espectador escoge una: “en realidad lo que hago es ver su elección y me da un dato más de esa persona que viene a interactuar conmigo”.

Esthel Vogrig logra seducir a su interlocutor, aunque afirma: “De las obras que haya hecho es la que me resulta más pesada de hacer, porque aunque físicamente ‘no pasa nada’ hay una cosa muy íntima, hay una interacción muy fuerte de esa mirada, verse a los ojos con desconocidos, entonces se sienten muchas energías, no se trata de conocerse sino de establecer un tipo de conexión un poco amorfa entre dos cuerpos”.

El hipergesto continuará presentándose en la Muestra internacional Un Desierto para la Danza 2014, los días 9 y 11 de abril, en la Galería Kino de Casa de la Cultura de Sonora. El inicio está programado a las 18:45 horas; el público irá pasando uno a uno, respetando el turno de llegada. La obra tiene duración de 45 minutos y podrán apreciarla un máximo de cinco personas por cada día programado.

Programa Cultural Beneficiarios del FECAS 2012-2013 en los municipios de Sonora 

Artistas y creadores presentarán resultados y productos de proyectos realizados con apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Sonora

Charla de serigrafía, por Martha Patricia Alcaraz Flores (Apoyo para la Formación Artística / Artes Visuales)

19:15 horas, Pabellón Literario de la Feria del Libro 2014 / San Luis Río Colorado

Carlos Sánchez

Sus miradas me acosaban. Insistían en levantarme. Venían a cada rato nomás para incordiarme, aventarme señales grotescas.

Yo estaba postrado. La temperatura alta impedía mis pasos. Madre con un pañal que era zapeta, húmeda, intenta amainar la calentura, la posaba en mi frente, me decía silencios de ternura.

Y estaban allí, ellos, hostigándome a veces, haciéndome reír también. Halaban de una cuerda, hacían gestos, revoloteaban en mi vista.

Los he vuelto a ver. Anoche, en el Teatro de la Ciudad, en el contexto de Un Desierto para la Danza edición veintidós.

Los encontré bailando y me fui de facto al catre con ixtle donde solía dormir esas tardes en verano, debajo del eucalipto. Eran ellos, ahora organizados en la compañía Rolando Beattie Ensamble Danza Contemporánea. Vinieron a acosarme otra vez, revivir las brumas, los gritos, la estridencia, los dedos índices para juzgarme.

La violencia otra vez. Las miradas sumisas de las madres de mis amigos en el barrio. El erotismo natural e implacable en sus cuerpos.

Rolando Beattie tirando dardos desde las ideas. Construyendo un discurso donde yo como espectador, no sé los otros, quise trepar al escenario, indicar desde arriba bajar el volumen de la música, y defender a cada uno de los bailarines. Defenderlos de su propia desgracia que es la mía.

Porque el cuerpo allí es la beligerancia. La insaciable búsqueda y mover, moverse sin descanso. Armonía, sí. Pero qué hacer con nuestros fantasmas que afloran entre la iluminación lánguida. Qué hacer si la dama a mi lado es una niña que se come las uñas, los dedos, nomás de tanto sonido que le perturba también la emoción.

En mi catre, bocarriba y mirando el cielo, intentaba correrlos, pedirles por piedad que me dejaran en paz. Venían y se mofaban, a carcajadas, halando siempre una cuerda como destino final. Los he vuelto a ver. Eran ellos, son ellos los que me recuerdan el origen. La insalvable aventura de encontrarme otra vez al contemplar el arte, la danza.

Hayde Lachino 

El diccionario define farragoso como aquello que resulta confuso por contener muchas cosas desordenadas; en el caso de la literatura se refiere a un texto que usa un exceso de ideas que no se interconectan entre sí. 

En Tienes 2 segundos para pensarlo. 2 segundos, del coreógrafo mexicano Rolando Beattie nos encontramos justamente frente a una obra farragosa, al exceso de movimiento y a un diseño lumínico que no permite apreciar adecuadamente las sutilezas y contrastes en la ejecución de los intérpretes, sumado a que si bien la luz determina la formalización del espacio, en este caso impide que el espectador pueda seguir con puntualidad la propuesta espacial del coreógrafo: en la penumbra se adivinan cuerpos que se mueven en contrapunto con los que están en la luz, pero no es posible ver con precisión cuál es la propuesta formal que se plantea. Cada espacio iluminado sigue una única pauta rítmica, pero sin construir un discurso significante. ¿Cómo se relaciona la idea de un espacio limitado, geométrico de constantes y rápidos cambios de luz, con la idea de ferocidad que se propone en el programa de mano? Y en el mismo sentido ¿qué tiene que ver un vestuario rosa y negro con lo que se quiere transmitir? Todo está tan empapado en una estética típica de la danza de la década de 1980, que es pertinente preguntar cómo se relaciona ello con el querer hablar de las relaciones contemporáneas.

El exceso de movimiento termina por anularse a sí mismo, prácticamente todo el tiempo que dura la obra se mantiene en el mismo ritmo, en la misma calidad. Gombrich dice que el artista siempre piensa en lo que es correcto para una pieza, cuando un pintor medita frente al cuadro la pertinencia de poner un color, no lo hace pensando en si se verá bonito, sino en si es correcto para lo que quiere transmitir. Me pregunto si se pensó en la pertinencia, porque un movimiento tan dinámico, con tantos detalles, requeriría pensar la luz de otra manera, el no poder ver el movimiento y el mismo tipo de ritmo, impide que el cuerpo que danza se instituya como signo.

En el programa de mano se afirma que la obra es una reflexión en torno al vértigo y ferocidad de las relaciones interpersonales de nuestra época, pero resulta imposible seguir dichas relaciones, solo vemos cuerpos que salen y entran a la luz, en donde toda posible relación entre los intérpretes se torna confusa. Sumado a ello está el hecho de que la obra mantiene un grado de abstracción importante, por lo que es contradictorio el súbito uso de gestos cotidianos que apelan más a un discurso narrativo que a todo lo que se ha postulado como las premisas de la propuesta

Sin duda, los intérpretes abordan la escena con total compromiso y entrega, poseedores de una sólida técnica terminan por agotar, debido al casi nulo cambio de ritmo en la coreografía que hace que siempre estén en un desbordado e incesante fluir de movimiento sin cambios de ritmo y sin contrastes; tal exceso termina por volverse plano y el final nada tiene significación. Por ello el espectador no tiene nada que descifrar, no hay lugar para conectarse con la obra. La propuesta coreográfica habla, habla y habla, pero no nos dice nada y esto no es lo que se busca, esto nos refiere a una articulación fallida.

Durante el desarrollo de la coreografía me quedé pensado en cómo a veces las palabras, la propia creación, lejos de mostrarnos, de revelarnos como seres humanos frente al otro, nos oculta, se torna en una barrera detrás de la cual nos atrincheramos y otra cosa más en la que pensé es el hecho del que pareciera ser un miedo al vacío, como si el vacío no estuviera cargado de sentidos.

Programa Cultural Beneficiarios del FECAS 2012-2013 en los municipios de Sonora 

Artistas y creadores presentarán resultados y productos de proyectos realizados con apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Sonora

Charla y exposición Estación Empalme: las historias del ferrocarril, por Alba Edith Cota Enríquez (Investigación Artística / Artes Visuales)

18:30 horas, S. Rosalva de Vizcaíno, Casa de la Cultura / Guaymas          

Hayde Lachino 

El chiste, nos dice Fischer, “es un juicio que juega”. Caracterizado así, el chiste, elemento esencial del humor, implica siempre una relación cercana con la ética pues todo juicio es una valoración de algo, solo que aquí tal juicio está desprovisto de solemnidad, de densos discursos, para desplegarse con libertad y señalar aspectos de la vida, de lo cotidiano, que de fondo son un sinsentido o se tornan delirantes, ejemplos de este humor los tenemos en Buster Keaton o los Monty Python.

En muchos sentidos, el humor es una ruptura con lo establecido, señala conexiones disparatadas entre varios elementos de la realidad para revelar el absurdo de la vida; nos permite burlarnos de lo sagrado, de lo intocable, por ello ha sido fundamental en la vida de los pueblos, como una manera de ejercer una ácida crítica al poder, de ahí la potencia del cabaret. No olvidemos las cantidad de veces que el cómico mexicano, Jesús Martínez “Palillo”, pisó la cárcel por sus incisivos chistes dirigidos a los políticos mexicanos y ello le valió el amplio afecto de la gente, en un país en donde las voces disidentes tiene poco espacio. También surgido del cabaret, Cantinflas incluso llegó a ser votado por la gente para presidente. Así de subversivo puede llegar a ser el humor.

En la danza también existen ejemplos de cómo el uso del chiste sirve para hacer una crítica a la propia práctica, como en el caso de Les Ballets Trockadero, agrupación integrada solamente por hombres y que colocan una irónica mirada en torno a los clichés del ballet clásico. 

Sin embargo también existe otro tipo de humor, construido desde los mass media, acrítico, despolitizado, que no se dirige hacia lo establecido y que se nutre del chiste misógino, de la degradación del otro, de conectarse con una serie de referencias provenientes de programas de televisión. 

Nosotros, la obra de Jaciel Neri, hace del humor su materia prima. Sobre la escena, los cuatros bailarines muestran su gran potencia interpretativa, una técnica corporal sólida; entre ellos hay una complicidad importante, se divierten y divierten al público, tienen la agilidad para improvisar situaciones, son carismáticos, saben plantarse sobre el escenario y abordar los diversos ritmos que plantea la obra, desde un gran dinamismo hasta los silencios, y sin embargo, lo que vemos es una escritura coreográfica endeble, que se apoya más en los intérpretes y menos en una clara y rigurosa formalización de los elementos de la escena.

No quedan claras las razones estéticas que llevan a disponer del espacio de la manera en que se usa, ni el porqué del discurso lumínico, y qué tiene que ver todo ello con el movimiento o las rupturas de la cuarta pared.

El uso insistente de fórmulas ya probadas, de clichés, hacen que la obra funcione y funciona bien, el público ríe y celebra cada chiste, pero no hay riesgo alguno, incluso las rupturas de la cuarta pared se hacen desde un lugar de absoluta complacencia con el público y en la fórmula de exponer al otro, en este caso, mujeres, y es que la obra es un discurso de principio a fin, centrado en las complicidades masculinas.

La obra es anunciada como ganadora del XXXI Premio INBA-UAM, pero de aquella obra, que los jurados de dicho certamen defendimos para que ganara el premio, solo quedan los últimos minutos, por lo que, sin duda, hay algo de marketing ahí que no parece ser éticamente plausible, en todo caso es una estrategia muy cuestionable. Jaciel Neri es un coreógrafo que ha demostrado contar con los recursos para hacer piezas importantes y significativas, por lo que resulta innecesario este tipo de prácticas que a la larga son contraproducentes.